Carnage: El menor sentido de Comunidad

Imagen: Wikipedia

En un parque de New York, un niño de 11 años “armado” con un palo golpea violentamente a otro en el rostro despojándolo de dos dientes. Más tarde, en el departamento del niño herido, los padres de ambos, apelando a su sentido comunitario, se reúnen para aclarar el tema y buscar una conciliación entre ambas partes . Esto el inicio de Carnage (¿Sabes quién viene?, 2011)

Es difícil describir Carnage con una palabra; ¿Tensa? ¿Asfixiante? ¿Incomoda? No mucho después de iniciada la película, el personaje de Jodie Foster  muestra su admiración por Francis Bacon y, justamente como una las obras del pintor, la película transmite una sensación turbia y un poco terrorífica que de alguna forma no queremos que terminen, y en lugar de querer que la tierra nos trague como si compartiéramos la escena con los protagonistas, y en un acto medio masoquista,  deseamos seguir husmeando como por una ranura en la pared para disfrutar la incomodidad que estos cuatro personajes transmiten mediante sus diálogos.

Carnage no será la mejor película de Roman Polanski pero no deja de ser una maravillosa adaptación de la obra teatral escrita por Yasmina Reza y que lleva impregnada la genialidad del director en cada esquina de ese departamento que sirve como escenario único durante toda la película y que causa una sensación casi claustrofóbica de éxtasis. Y es que el departamento es casi un personaje más. Carnage es una película corta pero precisa. No se necesita más que aquellos poco menos de 80 minutos para recrear el encuentro de estas dos parejas durante un atardecer neoyorquino que lucha por meterse por las ventanas del departamento. (Aunque la película fue rodada en París debido a los problemas legales que impiden a Polanski pisar suelo norteamericano)

Jodie Foster interpreta un rol en el que ya no es extraño verla; una mujer angustiada, casi histérica. Solo una actriz como ella podría lograr que un personaje tan poco atractivo se vuelva atractivo. John C. Reilly interpreta a su esposo, el personaje más simpático del grupo y quien sufre la transformación, o evolución, más notoria a lo largo de la película.

Por otro lado están los invitados: Kate Winslet, espectacular como siempre, es una mujer seca, rígida, fría y puntual. No es una dulzura de personaje en lo absoluto pero tratándose de Winslet es difícil que deje de gustar, sea fingiendo simpatía o vomitando sus sentimientos. Christoph Waltz interpreta a su esposo y acaso el más honesto de los cuatro personajes pues no muestra ninguna careta inicial y quien, con alcohol o sin alcohol, no deja de ser él mismo. Y si bien la mayor parte de los diálogos tienen una fuerte carga de ironía, es justamente Waltz quien mejor la utiliza, deliciosamente, con la sutileza con la que disfruta del cobbler de sus anfitriones, que nos recuerda al mismo placer con el que el  Coronel  Hans Landa saboreaba su strudel con crema en IngloriousBasterds (2009).

He leido opiniones negativas sobre Carnage. Si acaso alguien considera que a la película le pueda faltar algo no olviden que no ha sido concebida como film sino más bien como obra teatral, por tanto no se puede dejar de apreciar la riqueza de los diálogos y las actuaciones. Tómenlo como ir a ver una obra de teatro más que como ir al cine.

Trailer: Carnage

Ficha Técnica
¿Sabes quién Viene?
Carnage (Título Original)

Año: 2011

Duración: 80 min
Género: Drama / Comedia

Director: Roman Polanski 
Guión: Yasmina reza

Actuan: Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John C. Reilly

Ted: Incomprendida como su protagonista

Imagen: Wikipedia

Ted (2012) comienza como la típica y tierna historia de un deseo cumplido a un niño gracias a la mágica aparición de una estrella fugaz. John Bennett es un encantador niño quien, en 1985, lo único que desea es que Teddy, su osito de peluche, cobre vida y sea su amigo. Las cosas cambian cuando, ya en el presente, ambos siguen viviendo juntos y se han convertido en dos adultos hedonistas e irresponsables, es aquí también donde Ted marca la diferencia con respecto a cualquier otro cuento infantil hecho película y otras comedias de humor negro.

No hay mucho más que decir sobre la trama de Ted; una película sencilla en argumento pero rica en situaciones irreverentes y humor negro. El conflicto principal radica en que John Bennet debe terminar de crecer y dar un paso hacia adelante en la relación con su novia pero ésta (con justa razón) le exige un lógico distanciamiento de su oso-amigo-juguete, a quien, por su parte, le cuesta desprenderse de John. Hasta este punto Ted puede sonar como una película boba para muchos ( son los comentarios de mucha gente) pero lo que se debe considerar es que no se trata de una película para niños ni tampoco de una típica comedia de los hermanos Farrelly; sino de una comedia ingeniosa sobre la inmadurez que consigue un extraño balance entre la vulgaridad y la ternura.

Hablar de Ted es hablar de una película que cuenta con una gran dosis de humor negro envuelta con elementos atípicos para el género, siendo acaso esto lo que la convierte en una comedia muy interesante. Resulta curioso ver como la gente puede amar u odiar Borat pero no colocar el peso de su amor-odio en la misma balanza por una película como Ted; casi como se esperara una comedia mucho más rosa y de situaciones por tener como personaje principal a un osito de peluche. Lo cierto es que el trabajo de Seth MacFarlane, tanto en la dirección como dándole vida a Ted, es muy bueno. También es bueno el trabajo de Mark Wahlberg como John Bennet, un papel en el que prueba su versatilidad. Mila Kunis por su parte, no ofrece nada nuevo más que su habitual belleza en un rol que tampoco demanda demasiado.

Ted es una película graciosa, original y con muy buenas referencias a los 80’s para los nostálgicos. Pero dentro de todo también tiene defectos, quizá uno de los más grandes es un final predecible que no va mucho de la mano con la esencia de la película y alguna que otra broma muy poco esforzada. Una de sus principales contradicciones es quizás lucir demasiado llamativa para un público que no es el suyo y que puede verse confundido por su contenido o por un lenguaje que si bien es excesivamente obsceno, no es para nada ofensivo para quienes entendemos la película.

Trailer: Ted

Ficha Técnica
Ted

Año: 2012

Duración: 106 min

Categoría: Comedia

Director: Seth MacFarlane

Guión: Seth MacFarlane


Actuan: Mark Wahlberg, Mila Kunis, Giovanni Ribisi y Seth MacFarlane

Melancholia: El hermoso fin de la humanidad

Imagen: IMDB

En el día de su boda, Justine no tiene fuerzas para luchar contra un fuerte episodio depresivo que esta por arruinar su fiesta de matrimonio. Su hermana Claire, encargada del evento, tiene que luchar para que nada eche a perder la gran noche que a su marido le ha costado tanto. Mientras tanto, y sin que nadie lo sepa aun, un enorme planeta, Melancholia, avanza velozmente hacia la tierra para poner fin a la vida de nuestro mundo y a la historia de la humanidad.

Nunca me han gustado las películas pretenciosas; no las soporto mucho, y Lars Von Trier es un director pretencioso que ya me ha dejado malas sensaciones antes (Antichrist en el 2009 por ejemplo). Pero Melancholia es una película diferente pues, sin dejar de ser pretenciosa o una de aquellas películas “artísticas”, nos hace pensar sin necesidad de intentar embutirnos mensajes muy filosóficos ni diálogos exagerados. Nos entrega una visión del fin del mundo distinta a las que el cine nos tiene acostumbrados, combinando elementos de ficción con la cotidianidad de una familia disfuncional pero creíble, sin discursos presidenciales, sin fuerza militar, sin gloriosas banderas flameando al viento, sin la torre Eiffel desmoronandose ni las pirámides de Egipto como testigos del espectáculo final.

No podría existir un final más poético para la humanidad que el fuerte impacto de un hermoso planeta llamado Melancholia. Y es que la representación del fin del mundo de Von Trier es inminente, silenciosamente agresiva, y sin recurrir a espectaculares efectos especiales, es además convincente. Quizás es justo eso lo que más atrae de Melancholia; una sensación apocalíptica que presenciamos a través de como la viven los protagonistas, ellos y nadie más, alejados (y alejando al espectador) de cualquier contacto con el mundo ahí afuera, que no se ve reflejado siquiera en un televisor encendido, ni una noticia por la radio; nada, solo ellos, la música de Wagner y nosotros como espectadores. Las interpretaciones son remarcables y gracias a Lars Von Trier, quien se encargó de desnudar el alma de sus personajes paulatinamente, los actores se lucen.

Kirsten Dunst interpreta a Justine a la perfección; una mujer sumida en profunda tristeza y sin ganas de vivir. Tal vez solo aquellos que han visto de cerca la depresión saben reconocer y admirar al maximo su caracterización, y es que lo hace tan bien que por momentos da ganas de darle bofetadas para que coma o se meta a la bañera, desesperándonos así como también encantandonos cuando sonríe genuinamente y no por compromiso, irradiando belleza y frescura cuando su personaje se lo propone o cuando de verdad lo siente. Charlotte Gainsbourg también interpreta perfectamente a Claire, la preocupada hermana que lucha por guardar las apariencias y a quien más adelante vemos sufrir más que nadie a causa del fin de la tierra, intercambiando roles con su hermana Justine, a quien la llegada de Melancholia parece hacerle bien, a tal punto que le quedan fuerzas para juzgar y condenar a la humanidad con un una frase categórica y de desprecio. Es grata la presencia de Kiefer Sutherland luego de haberlo visto durante tanto tiempo como Jack Bauer e interpretando esta vez a un personaje mucho más real y humano, sin el deber de salvar al mundo de la amenaza y mas bien como un sencillo espectador que alterna su interés por el suceso con la cotidianidad de su acomodada y frívola vida.

Con Melancholia, Lars Von Trier parece poner más que tan solo un poco de su sello personal y transmitir un mensaje mediante la voz de su protagonista al indicar que la humanidad merece su extinción. Y lo hace de tal forma que a uno solo le queda asentir. Y aunque la película no muestra en ningún momento el caos de la sociedad actual ni plantea la intervención del hombre como elemento destructivo (sin hacer mención a guerras, contaminación, calentamiento ni nada por el estilo) no necesita hacerlo pues con la actitud de sus personajes y sus valores morales es suficiente. Lo mejor de la película es que ofrece un escenario apocalíptico que llega con forma de un hermoso planeta que se traga a la tierra y extingue su vida y la de sus habitantes sin compasión alguna, lentamente durante dos horas, casi como cuando las enfermeras nos prometen que la inyección no va a doler.

El final de la película guarda en la fuerza del impacto final toda la fuerza que no se mostró a lo largo de una película más bien lenta pero artísticamente bella, con una fotografía formidable y la musicalización de Wagner que termina de cerrar el círculo de la perfección estética.

Trailer: Melancholia

Ficha Técnica
Melancholia

Año: 2011

Duración:136 min

Género: Drama / Ciencia Ficción

Director: Lars Von Trier
Guión: Lars Von Trier

Actuan: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg y Kiefer Sutherland

The Girl with the Dragon Tattoo: La anti heroína convertida en heroína

Imagen: Wikipedia

Lisbeth Salander es una tatuada chica de aspecto gótico, experta en el arte del hacking y con una apariencia tan enigmática como su pasado. Mikael Blomkvist es un serio periodista intentando reparar su reputación tras ser acusado de difamación. La historia de The Girl with the Dragon Tattoo (La Chica del Dragón Tatuado, 2011) empieza cuando los caminos de ambos se cruzan y unen sus respectivos talentos de investigación para resolver el caso de la desaparición de una niña en los años 60.

Potente desde el arranque (gracias a un muy buen cover de Immigrant Song) y poseedora de una crudeza sobrecogedora y una oscuridad fascinante, The Girl with the Dragón Tatoo no es solo la adaptación de una novela de Stieg Larsson (traducida originalmente como “Los Hombres que no amaban a las Mujeres”), sino además el remake hollywoodense de la versión sueca estrenada dos años atrás. David Fincher hace gala nuevamente de un estilo particular ya visto antes en sus trabajos como 7even (Los 7 Pecados Capitales, 1995) o Zodiac (2007) cuyos géneros le son familiares y donde encontramos también asesinos en serie de por medio.

Pero la diferencia de The Girl with the Dragón Tatoo radica en la construcción del personaje principal (que viene desde el libro), ese bicho raro que asusta y con quien a los chicos normales no nos gusta mucho cruzarnos, esa mujer enigmática en cuyo rostro inocencia y agresividad se mezclan y que reúne toda las características de una anti heroína convertida en heroína. Es Rooney Mara quien interpreta brillantemente a Lisbeth Sanders dándole ese aspecto frio y calculador y robándose la película para teñirla de un color negro magistral. No por nada a David Fincher le tomo tanto tiempo elegir a la actriz en medio de tantas candidatas entre quienes estaban Ellen Page (quien a pesar de Hard Candy no deja de parecerme muy dulce) y la medio desabrida Kristen Stewart. No en vano tampoco, Rooney Mara fue nominada al Oscar por esta increíble actuación, y si bien hay gente que opina que fue una exageración; hay que resaltar la gran transformación por la que paso para verse como esa especie de princesa anoréxica de la oscuridad. Daniel Craig, el más reciente y actual 007, también se ve convincente en su papel de periodista vulnerable, un hombre sin el poder e ingenio de ese James Bond en cuyo pellejo lo hemos visto metido recientemente.

Pero la película es más que solamente dos personajes; es toda una historia de crimen y misterio que, si bien tarda un poco en atrapar, nos mantiene atentos hasta un final que, como sabemos, no es más que el inicio de una nueva saga cinematográfica basada en la Trilogía Millennium de Stieg Larsson y que está constituida por 3 libros: The Girl with the Dragon Tattoo, The Girl Who Played with Fire y The Girl Who Kicked the Hornets' Nest.

Es justamente esta la causa que ha generado un poco de división de opiniones en cuanto a la calidad de la película y las actuaciones; y es que quienes han leído los libros cuestionan la calidad de la película en comparación con su versión sueca y viceversa. Personalmente he visto la película sin saber nada de la Trilogía Millennium y la he disfrutado. Tal vez haya que verla como obra independiente, olvidando por momentos que es un libro y dejando de lado el tema de la adaptación para disfrutarla desde una óptica nueva. Si la versión sueca es mejor, no lo sé; pero sé que me gustó verla sin haber leido el libro para dar una opinión sin elementos que obstruyan mi juicio.

Trailer: The Girl with the Dragon Tattoo

Ficha Técnica
La Chica del Dragón Tatuado
The Girl with the Dragon Tattoo (Título Original)

Año: 2011

Duracion:  158 min
Categoria: Misterio / Drama

Director: David Fincher  
Guión:  Steven Zaillian  (Adaptación),  Stieg Larsson  (Novelan)

Actúan: Daniel Craig, Rooney Mara y Christopher Plummer

One Day: 20 años de lo mismo

Imagen: Wikipedia

Una historia de amistad más que de amor, o de amor confundido con amistad. One Day (Siempre el mismo día, 2011), es la adaptación de un libro del mismo nombre y sigue la historia de Emma y Dexter, dos jóvenes británicos que se conocen una noche de 1988 y cuya amistad perdura a lo largo de 20 años.

Dexter es un joven apuesto al que solo le envejece el cabello y Emma es una adolecente inteligente de apariencia aviejada quien, como si sufriera del mismo síndrome que Benjamin Button, se pone mejor con el paso de los años, igual que el vino. Ambos se conocen una noche de 1988 tras su graduación pero, a diferencia de las películas románticas convencionales, en One Day ellos no se enamoran sino que desarrollan una bonita amistad basada en la confianza y la honestidad, con alta dosis de deseo camuflado. Y es que Dexter y Emma son como esa amiga o amigo con quienes llevaríamos la amistad un poquito más allá.

El problema de esta amistad salpicada de romance es también el de la película: No cautiva. Si bien los altibajos en la relación de Dexter y Emma entretienen, poco importa si son almas gemelas o si es que se juntan o no. Los personajes no convencen como pareja ni causan mayor ternura y durante la mayor parte del tiempo somos testigos de la típica historia de amor difícil de hallar a pesar de estar en nuestras narices.

Jim Sturgess ofrece una actuación efectiva si es que su propósito era el de interpretar a un tipo que no nos causa mucha simpatía. No muy parecido a su personaje en Across the Universe (2007) quien si caía bien. El proceso de envejecimiento del actor no es muy real y solo muestra cambios en el color y cortes de cabello. Anne Hathaway, en cambio, es mucho más agradable como Emma, aunque con el paso de los años su envejecimiento parece haber sido a la inversa y en lugar de verse mayor se ve cada vez menor y más bonita.

A pesar de todo, One Day nos muestra situaciones con las que nos podemos identificar, aunque bajo un punto de vista un poco romanticón, tal vez influencia femenina de Lone Scherfig, quien dirige la película. Otra cosa positiva de resaltar son esos pequeños giros en la trama, poco convencionales en este tipo de películas, incluido un final que, casi literalmente, impacta con fuerza y nos aleja de la típica historia estilo Cenicienta.

One Day es de esas películas que busca la lagrima fácil. Se puede ver en DVD sin que uno se arrepienta de no haber ido al cine. Entretiene pero no emociona.

 Trailer: One Day

Ficha Técnica
Siempre el mismo día
One Day (Título Original)

Año: 2011

Duración:107 min

Género: Drama / Romance

Director: Lone Scherfig
Guión: David Nicholls (Adaptación), David Nicholls ( Libro )

Actuan: Anne Hathaway y Jim Sturgess

El Oscar: Las nominadas a Mejor Película

Un recuento de mi opinión para todas las nominadas al Oscar a mejor pelicula 2011:


War Horse: Spielberg cabalga de nuevo
Joey es un magnifico caballo cuyo destino lo lleva por diversos frentes de batalla durante la Primera Guerra Mundial. Albert, su dueño, arriesga todo lo que tiene y hasta su propia vida por reunirse con él en la guerra. Dirigida por Steven Spielberg, War Horse (Caballo de Batalla, 2011) es una hermosa historia de amistad basada en un libro infantil escrito a inicios de los 80 por Michael Morpurgo

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The Artist: ¡No hay palabras!
Además de ser un reconocido actor del cine mudo en los años 20, George Valentin es arrogante y exitoso. Hasta que aparece el cine sonoro y con él la transformación de la industria en Hollywood, ante lo cual el artista debe decidir entre adaptarse al cambio o ser fiel a un estilo en decadencia. The Artist (2011) es una película independiente dirigida por Michel Hazanavicius y una de las favoritas para ganar el Oscar.

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Hugo: La invención de Martin Scorsese
Ambientada en Paris de los años 30, Hugo (La Invención de Hugo Cabret, 2011) nos lleva a redescubrir la magia del cine a través de un viaje fantástico y la búsqueda de un niño para cumplir su misión: Terminar de armar un muñeco mecánico que su padre no pudo terminar de reparar. La más reciente película de Martin Scorsese está basada en un libro fantástico y cuenta con 11 nominaciones a los premios Oscar, entre ellas las categorías a mejor película y mejor director.

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Moneyball: El arte de sobreponerse a la derrota
Los Atheletics de Oakland es un equipo de baseball de pocos recursos que logró ganar 20 juegos consecutivos y batir el máximo record del campeonato en los Estados Unidos. La historia de Moneyball (2011) no sería especial de no ser porque el equipo estaba conformado por los jugadores menos valorados del torneo local y porque la táctica empleada por Billy Beane, el director del equipo, consistía en basarse en las estadísticas y no en la destreza de sus jugadores para armar el equipo.

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Extremely Loud and Incredibly Close: No es otra película sobre el 11-9 
A partir del descubrimiento de una misteriosa llave; un niño emprende la búsqueda de la única cerradura que pueda abrir, considerando esta aventura como la última misión dada por su padre antes de fallecer en los atentados del 11 de septiembre. Este es el argumento principal de Extremely Loud and Incredibly Close (Tan Fuerte y Tan cerca, 2011), una película dramática basada en una novela ficticia con elementos de aventura al estilo “búsqueda del tesoro”.

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The Tree of Life: Los orígenes de la vida y el universo
Los orígenes del universo, el inicio de la vida, el descubrimiento del mundo, las causas de nuestra conducta y el desarrollo de la personalidad. The Tree of Life (El Árbol de la Vida, 2011) explora estos temas a través de una sucesión de imágenes donde destaca el maravilloso contraste de la naturaleza con los aspectos cotidianos de la vida.



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The Help: Una realidad no tan distante
Eugenia Phelan es una aspirante a escritora que decide contar lo que nadie se atreve en medio de una sociedad donde la segregación racial se vive sin disimulo y reina la hipocresía. Ambientada a inicios de los años sesenta en la ciudad de Jackson, Mississippi; The Help (Historias Cruzadas) mezcla el drama con el humor para criticar a una sociedad intolerante bajo cuyos códigos seguimos viviendo hoy en día en algunos lugares.


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Medianoche en París: Buscando la inspiración
en el pasado
La última película de Woody Allen nos transporta a París y nos sumerge y enamora un poco de ella. Pero como un viaje que resulta demasiado corto, nos deja con la sensación de querer algo más, como si algo hubiera quedado inconcluso.

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Los Descendientes: El lado complicado de la paternidad
Matt King es un abogado que tiene problemas maritales, no lleva una buena relación con sus hijas y tiene que afrontar una importante decision financiera que compromete el futuro de sus familiares. En medio de todo, su esposa sufre un accidente que la deja al borde de la muerte. Este es el argumento de The Descendants (Los Descendientes, 2011), una de las nominadas al Oscar como mejor película.


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War Horse: Spielberg cabalga de nuevo

Imagen: Wikipedia

Joey es un magnifico caballo cuyo destino lo lleva por diversos frentes de batalla durante la Primera Guerra Mundial. Albert, su dueño, arriesga todo lo que tiene y hasta su propia vida por reunirse con él en la guerra. Dirigida por Steven Spielberg, War Horse (Caballo de Batalla, 2011) es una hermosa historia de amistad basada en un libro infantil escrito a inicios de los 80 por Michael Morpurgo.

Con War Horse, Spielberg regresa al género que más le gusta: el bélico. Solo que esta vez los ingredientes son otros y lejos de mostrarnos la crudeza de los campos de batalla, nos regala una asombrosa historia de supervivencia cargada de un sentimentalismo difícil de ver en una película de guerra. Para los detractores de War Horse, es necesario recordar que está basada en un libro para niños, por lo que la adaptación, fiel a la historia original, transmite ternura y se centra en la amistad entre el caballo y el hombre en lugar de la guerra, la cual termina sirviendo como un gigantesco marco para el relato.

El problema que muchos parecen haber encontrado en War Horse es lo inverosímil de la historia y la exagerada travesía del caballo, por lo que es necesario recordar, una vez más, que estamos ante una historia ficticia para un público infantil. Por otro lado, para quienes conocemos y amamos el cine de Spielberg, se trata de una película imperdible que no se centra solo en la historia de un caballo sino en quienes tienen la oportunidad de cruzarse en su camino y la forma en que son afectados por él.

Si bien la película comienza con fuerza; tras la separación de Joey y Albert la intensidad decae y sentimos que las historias posteriores no despegan nunca. Justo cuando empezamos a acostumbrarnos a algún personaje, este desaparece como si su encuentro con el caballo supusiera una maldición. Entonces, cuando ya empezamos a sentir la fatiga, casi al mismo tiempo que el caballo, War Horse despega con una fuerza similar a la de Joey al galopar y las emociones se hacen más intensas. Aquí Spielberg saca sus mejores recursos para asombrarnos: La cabalgata de Joey sobre el campo de guerra es sencillamente espectacular y el contraste entre la belleza del caballo y la destrucción y muerte de los campos de batalla, acompañados de la hermosa fotografía y la música del siempre genial John Williams nos hace sentir como si estuviéramos ante un maravilloso espectáculo de fuegos artificiales.

Las actuaciones están bien y el debutante Jeremy Irvine le da el sentimentalismo adecuado a Albert, quien no está dispuesto a olvidar a su caballo. Pero si de actuación se trata es justo la presencia de los caballos (Joey no es el único) la que sobresale, impregnando ternura en cada escena que se roban en pantalla.

Había pasado un buen tiempo desde que Steven Spielberg no dirigía. Su retorno al cine este año fue por todo lo alto gracias a Tin Tin (The Adventures of Tin Tin, 2011) y War Horse (Caballo de Batalla, 2011), logrando con esta última una nominación al Oscar a mejor película. Y si bien no es de sus mejores películas, en ella explora, además del sentido más profundo de la amistad, aspectos interesantes como la confraternización con el rival (algo que Spielberg había intentado antes), el lado más humano de ambos bandos en guerra, la soledad y la incertidumbre en el campo de batalla.

Trailer: War Horse

Ficha Técnica
Caballo de Batalla
War Horse (original title)

Año: 2011

Duración: 146 mins.
Género: Drama / Bélico

Director: Steven Spielberg
Guión: Lee Hall (adaptación), Richard Curtis (adaptación)

Actuan: Jeremy Irvine, Emily Watson y David Thewlis

The Artist: ¡No hay palabras!

Imagen: Wikipedia

Además de ser un reconocido actor del cine mudo en los años 20, George Valentin es arrogante y exitoso. Hasta que aparece el cine sonoro y con él la transformación de la industria en Hollywood, ante lo cual el artista debe decidir entre adaptarse al cambio o ser fiel a un estilo en decadencia. The Artist (2011) es una película independiente dirigida por Michel Hazanavicius y una de las favoritas para ganar el Oscar.

Michel Hazanavicius plasma a la perfección la etapa de transición entre un estilo de cine y el otro, además del fin de una era maravillosa. Nos hace también ser testigos de la caída de un ícono en el olvido por parte de una sociedad ingrata y los sufrimientos que padece: junto con la llegada del sonido viene también la decadencia para George Valentin. Por si fuera poco, su matrimonio va en declive y la mujer que empieza a gustarle es una estrella en ascenso, descubierta por él mismo, dentro de esta renovada industria cinematográfica a la que él se niega a pertenecer.

Lo más interesante de The Artist radica en pertenecer a un genero extinto dentro de la industria: El cine mudo, además de ser en blanco y negro. Esto supone, además de una novedad, curiosa contradicción al tratarse de algo novedoso sin novedad alguna. Y es que la película marca el regreso del cine mudo a una época a la que ya no tendría motivos paras volver, marcando acaso el inicio de una tendencia en la que, con la necesidad de renovarse, el cine nos ha de traer de regreso viejos formatos como el blanco y negro y el uso de películas sin efectos especiales.

A través de la historia de su protagonista, The Artist también explora temas como la lucha por los principios y la resistencia al cambio, algo con lo cual, quienes vivimos enamorados del pasado, nos podemos identificar plenamente y a quienes aceptar el concepto de “dejar ir” y “seguir adelante” nos resulta difícil. A partir de esto podemos realizar comparaciones entre la realidad de la película y la actual, empleando como ejemplos el exagerado uso de efectos especiales o el a veces innecesario uso de la tecnología 3D, convirtiéndose The Artist en casi de una invitación hacia el pasado para volver a hacer las cosas con los mismo recursos artísticos de antes.

Las actuaciones en The Artist son formidables por decir lo menos; Jean Dujardin y Bérénice Bejo se lucen sin decir palabra alguna. Hacen uso de sus expresiones faciales y movimiento corporal a la perfección y nos transportan al pasado de manera convincente. No se puede hablar de las actuaciones sin mencionar a Uggie, el adorable perro actor que se roba todas las escenas y que movió a las redes sociales para que le concedan un Oscar honorario por su participación.

The Artist, además de ser un maravilloso homenaje al cine mudo de los años 20, es una película con una inteligencia reflejada en el cada una de sus escenas, como la que nos muestra a George Valentin hundiéndose en arenas movedizas y que termina siendo una analogía perfecta de su situación real. La película nos enseña que no existe técnica obsoleta, que el cine mudo aun puede maravillarnos y que no todas las maravillas modernas y los nuevos recursos cinematográficos son necesariamente mejores.

Trailer: The Artist

Ficha Técnica
The Artist (2011)

Año: 2011

Duración: 100 min
Género: Drama / Comedia

Director: Michel Hazanavicius
Guión: Michel Hazanavicius

Actuan: Jean Dujardin, Bérénice Bejo y John Goodman

Hugo: La invención de Martin Scorsese

Imagen: IMDB

Ambientada en Paris de los años 30, Hugo (La Invención de Hugo Cabret, 2011) nos lleva a redescubrir la magia del cine a través de un viaje fantástico y la búsqueda de un niño para cumplir su misión: Terminar de armar un muñeco mecánico que su padre no pudo terminar de reparar. La más reciente película de Martin Scorsese está basada en un libro fantástico y cuenta con 11 nominaciones a los premios Oscar, entre ellas las categorías a mejor película y mejor director.

Hugo es una película como ninguna otra. La combinación de su estilo narrativo, el argumento y la técnica de filmación hacen que nos encontremos ante una obra de arte que nos hace sentir más como en un sueño que dentro de una sala de cine. La magia comienza desde el primer minuto, cuando conocemos a los personajes principales por medio de una introducción a manera de corto y donde somos llevados a la estación de tren parisina de los años 30 donde vive Hugo Cabret, un niño huérfano buscando las piezas necesarias para terminar de construir un autómata que podría contener un mensaje de su padre. 

Pero la develación de un misterio conlleva a otro y luego a otro y estos pequeños giros mantienen el interés hasta el final. En el transcurso nos encontramos con personajes brillantemente elaborados, desde el inspector de la estación hasta el mismísimo Georges Méliès, pionero del séptimo arte y a quien Hugo debe enfrentarse para completar su misión. Y gracias a este encuentro volvemos a los inicios mágicos del cine y a la belleza de la técnica empleada en ese entonces para crear la magia que Hugo nos muestra hoy.

Las actuaciones tal vez no sean el fuerte de Hugo pero no por eso dejan de ser buenas. La presencia de Ben Kinglsey como Georges Méliès es grata e impregna a su personaje de ese aire rígido y autoritario del que luego sabe desprenderse muy bien. Asa Butterfield le da al protagonista la ternura necesaria y también el dramatismo adecuado en los momentos en que explota en frustración. Se nota una evolución interesante en él desde que se le vio en El niño con el pijama a rayas (The boy with the striped pajamas, 2008) pero en las escenas que comparte con Chloe Moretz, es más bien ella quien destaca como la ahijada de Georges Méliès, su única aliada en la aventura. Sacha Baron Cohen se luce bien como el inspector de la estación, un papel necesario para aliviar las tensiones y colocar pausas de humor.

Con Hugo, Martin Scorsese rinde un homenaje, casi una alabanza maravillosa a la simpleza y detalle de los efectos de antes. Nos lleva tan atrás en el tiempo que revivimos y somos testigos del proceso creativo de Viaje a la Luna (Le voyage dans la Lune, 1902) y nos hace valorar y amar los inicios del cine. Y si bien la película ha sido realizada en formato 3D, no son los efectos los que la hacen grande. Hugo reúne los mejores elementos de otras películas nominadas al Oscar: La incesable búsqueda de un elemento particular como forma de redención (Extremely Loud and Incredibly Close), la mágica ambientación parisina y el encuentro con memorables personajes históricos (Midnight in Paris) y el retorno a los inicios de una era maravillosa, casi como acto de gratitud y un rescate del olvido de los inicios del cine (The Artist). Hace poco leí que todo estudiante de Cine o Comunicaciones debería ver Hugo, yo creo que TODOS deberían verla; además de ser un maravilloso sueño ininterrumpido, es una película que nos recuerda el porqué amamos ir al cine.

 Trailer: Hugo

Ficha Técnica
La Invención de Hugo
Hugo (Título original)

Año: 2011

Duración:126 min

Género: Drama / Aventura

Director: Martin Scorsese
Guión: John Logan (Adaptación), Brian Selznick ( Autor )

Actuan: Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz y Ben Kinglsey 

Moneyball: El arte de sobreponerse a la derrota

Imagen: IMDB

Los Atheletics de Oakland es un equipo de baseball de pocos recursos que logró ganar 20 juegos consecutivos y batir el máximo record del campeonato en los Estados Unidos. La historia de Moneyball (2011) no sería especial de no ser porque el equipo estaba conformado por los jugadores menos valorados del torneo local y porque la táctica empleada por Billy Beane, el director del equipo, consistía en basarse en las estadísticas y no en la destreza de sus jugadores para armar el equipo.

" I hate losing more than I love winning" - Billy Beane

Es un poco difícil catalogar a una película como Moneyball. Bajo cualquier punto de vista se puede considerar una película de deportes, exactamente sobre baseball; pero a la vez no lo es. En Moneyball no se ve el home run de la victoria, tampoco la pelota perdiendose en lo alto del cielo en cámara lenta ni la música de la victoria que se enlaza con la de los créditos. Tampoco hay que saber de baseball para comprender la película, y aunque durante los diálogos se emplean los tecnicismos y cierto argot del deporte, saber de ellos no es vital para entenderlos.

Basada en hecho reales, Moneyball trata más sobre la perseverancia, sobre la defensa de nuestro punto de vista y la fe en uno mismo. Además, Gracias a la actitud del Billy Beane, director general del equipo (quien por cabala no ve los partidos de su propio equipo) lo que sucede en la cancha queda de lado y la trama se desarrolla fuera de ella. Esto permite conocer más del mundo que gira alrededor de un equipo deportivo y no centrarnos en la biografía del heroe que gana los trofeos.

Una de las cosas que la película logra es involucrar al espectador y transmitir emociones, a tal punto que sufrimos las con la derrotas de los Atheletics y disfrutamos de su victoria como nuestra. Brad Pitt es fundamental para lograr este propósito, metiéndose en su papel de manera convincente. La escena donde llama la atención a sus jugadores por su mediocre actitud ante una nueva derrota es como para ponerla frente a los seleccionados locales antes de que vayan a festejar con alguna vedette lo poco que han ganado en sus mediocres vidas deportivas. Por otro lado, el actor suena y se ve ciertamente convincente cuando cambia de actitud y se convierte en un líder motivador.

Es cierto que la actuación de Brad Pitt es formidable; casi hace que uno olvide que es un tipo tan insoportablemente atractivo y pueda ser perdonado por eso; muestra un lado mucho más humano y real que el usual “señor perfección”, casi como un Jerry Maguire sin poses ni disfuerzos. Y es ahí donde Brad Pitt hace la diferencia y muestra su talento. Ciertamente que ya debería tocarle un Oscar, aunque a juzgar por la competencia de este año, considero que otros lo merecen más que él por el momento, su propia actuación en The Tree of Life es infinitamente superior a ésta. Lamentablemente no podemos ver mucho de Philip Seymour Hoffman ni de Robin Wright, cuyos papeles son pequeños y pasan desaparcibidos. Pero si hablamos de actuaciones, quien si tiene la nominación merecida es Jonah Hill como Peter Brand, el incondicional asistente y cerebro de la operación "Moneyball".

Aunque considere la nominación al Oscar de Moneyball un poco exagerada, se trata de una película de profunda ligereza y extraño atractivo que que al terminar nos deja con ganas de algo más. Y esa es característica de una buena película.

Trailer: Moneyball

Ficha Técnica
Moneyball

Año: 2011

Duración:133 min

Género: Drama biográfico

Director: Bennett Miller
Guión: Steven Zaillian (Adaptación), Aaron Sorkin( Adaptación )

Actuan: Brad Pitt, Robin Wright y Jonah Hill