El Oscar: Las nominadas a Mejor Película

Un recuento de mi opinión para todas las nominadas al Oscar a mejor pelicula 2011:


War Horse: Spielberg cabalga de nuevo
Joey es un magnifico caballo cuyo destino lo lleva por diversos frentes de batalla durante la Primera Guerra Mundial. Albert, su dueño, arriesga todo lo que tiene y hasta su propia vida por reunirse con él en la guerra. Dirigida por Steven Spielberg, War Horse (Caballo de Batalla, 2011) es una hermosa historia de amistad basada en un libro infantil escrito a inicios de los 80 por Michael Morpurgo

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The Artist: ¡No hay palabras!
Además de ser un reconocido actor del cine mudo en los años 20, George Valentin es arrogante y exitoso. Hasta que aparece el cine sonoro y con él la transformación de la industria en Hollywood, ante lo cual el artista debe decidir entre adaptarse al cambio o ser fiel a un estilo en decadencia. The Artist (2011) es una película independiente dirigida por Michel Hazanavicius y una de las favoritas para ganar el Oscar.

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Hugo: La invención de Martin Scorsese
Ambientada en Paris de los años 30, Hugo (La Invención de Hugo Cabret, 2011) nos lleva a redescubrir la magia del cine a través de un viaje fantástico y la búsqueda de un niño para cumplir su misión: Terminar de armar un muñeco mecánico que su padre no pudo terminar de reparar. La más reciente película de Martin Scorsese está basada en un libro fantástico y cuenta con 11 nominaciones a los premios Oscar, entre ellas las categorías a mejor película y mejor director.

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Moneyball: El arte de sobreponerse a la derrota
Los Atheletics de Oakland es un equipo de baseball de pocos recursos que logró ganar 20 juegos consecutivos y batir el máximo record del campeonato en los Estados Unidos. La historia de Moneyball (2011) no sería especial de no ser porque el equipo estaba conformado por los jugadores menos valorados del torneo local y porque la táctica empleada por Billy Beane, el director del equipo, consistía en basarse en las estadísticas y no en la destreza de sus jugadores para armar el equipo.

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Extremely Loud and Incredibly Close: No es otra película sobre el 11-9 
A partir del descubrimiento de una misteriosa llave; un niño emprende la búsqueda de la única cerradura que pueda abrir, considerando esta aventura como la última misión dada por su padre antes de fallecer en los atentados del 11 de septiembre. Este es el argumento principal de Extremely Loud and Incredibly Close (Tan Fuerte y Tan cerca, 2011), una película dramática basada en una novela ficticia con elementos de aventura al estilo “búsqueda del tesoro”.

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The Tree of Life: Los orígenes de la vida y el universo
Los orígenes del universo, el inicio de la vida, el descubrimiento del mundo, las causas de nuestra conducta y el desarrollo de la personalidad. The Tree of Life (El Árbol de la Vida, 2011) explora estos temas a través de una sucesión de imágenes donde destaca el maravilloso contraste de la naturaleza con los aspectos cotidianos de la vida.



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The Help: Una realidad no tan distante
Eugenia Phelan es una aspirante a escritora que decide contar lo que nadie se atreve en medio de una sociedad donde la segregación racial se vive sin disimulo y reina la hipocresía. Ambientada a inicios de los años sesenta en la ciudad de Jackson, Mississippi; The Help (Historias Cruzadas) mezcla el drama con el humor para criticar a una sociedad intolerante bajo cuyos códigos seguimos viviendo hoy en día en algunos lugares.


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Medianoche en París: Buscando la inspiración
en el pasado
La última película de Woody Allen nos transporta a París y nos sumerge y enamora un poco de ella. Pero como un viaje que resulta demasiado corto, nos deja con la sensación de querer algo más, como si algo hubiera quedado inconcluso.

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Los Descendientes: El lado complicado de la paternidad
Matt King es un abogado que tiene problemas maritales, no lleva una buena relación con sus hijas y tiene que afrontar una importante decision financiera que compromete el futuro de sus familiares. En medio de todo, su esposa sufre un accidente que la deja al borde de la muerte. Este es el argumento de The Descendants (Los Descendientes, 2011), una de las nominadas al Oscar como mejor película.


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War Horse: Spielberg cabalga de nuevo

Imagen: Wikipedia

Joey es un magnifico caballo cuyo destino lo lleva por diversos frentes de batalla durante la Primera Guerra Mundial. Albert, su dueño, arriesga todo lo que tiene y hasta su propia vida por reunirse con él en la guerra. Dirigida por Steven Spielberg, War Horse (Caballo de Batalla, 2011) es una hermosa historia de amistad basada en un libro infantil escrito a inicios de los 80 por Michael Morpurgo.

Con War Horse, Spielberg regresa al género que más le gusta: el bélico. Solo que esta vez los ingredientes son otros y lejos de mostrarnos la crudeza de los campos de batalla, nos regala una asombrosa historia de supervivencia cargada de un sentimentalismo difícil de ver en una película de guerra. Para los detractores de War Horse, es necesario recordar que está basada en un libro para niños, por lo que la adaptación, fiel a la historia original, transmite ternura y se centra en la amistad entre el caballo y el hombre en lugar de la guerra, la cual termina sirviendo como un gigantesco marco para el relato.

El problema que muchos parecen haber encontrado en War Horse es lo inverosímil de la historia y la exagerada travesía del caballo, por lo que es necesario recordar, una vez más, que estamos ante una historia ficticia para un público infantil. Por otro lado, para quienes conocemos y amamos el cine de Spielberg, se trata de una película imperdible que no se centra solo en la historia de un caballo sino en quienes tienen la oportunidad de cruzarse en su camino y la forma en que son afectados por él.

Si bien la película comienza con fuerza; tras la separación de Joey y Albert la intensidad decae y sentimos que las historias posteriores no despegan nunca. Justo cuando empezamos a acostumbrarnos a algún personaje, este desaparece como si su encuentro con el caballo supusiera una maldición. Entonces, cuando ya empezamos a sentir la fatiga, casi al mismo tiempo que el caballo, War Horse despega con una fuerza similar a la de Joey al galopar y las emociones se hacen más intensas. Aquí Spielberg saca sus mejores recursos para asombrarnos: La cabalgata de Joey sobre el campo de guerra es sencillamente espectacular y el contraste entre la belleza del caballo y la destrucción y muerte de los campos de batalla, acompañados de la hermosa fotografía y la música del siempre genial John Williams nos hace sentir como si estuviéramos ante un maravilloso espectáculo de fuegos artificiales.

Las actuaciones están bien y el debutante Jeremy Irvine le da el sentimentalismo adecuado a Albert, quien no está dispuesto a olvidar a su caballo. Pero si de actuación se trata es justo la presencia de los caballos (Joey no es el único) la que sobresale, impregnando ternura en cada escena que se roban en pantalla.

Había pasado un buen tiempo desde que Steven Spielberg no dirigía. Su retorno al cine este año fue por todo lo alto gracias a Tin Tin (The Adventures of Tin Tin, 2011) y War Horse (Caballo de Batalla, 2011), logrando con esta última una nominación al Oscar a mejor película. Y si bien no es de sus mejores películas, en ella explora, además del sentido más profundo de la amistad, aspectos interesantes como la confraternización con el rival (algo que Spielberg había intentado antes), el lado más humano de ambos bandos en guerra, la soledad y la incertidumbre en el campo de batalla.

Trailer: War Horse

Ficha Técnica
Caballo de Batalla
War Horse (original title)

Año: 2011

Duración: 146 mins.
Género: Drama / Bélico

Director: Steven Spielberg
Guión: Lee Hall (adaptación), Richard Curtis (adaptación)

Actuan: Jeremy Irvine, Emily Watson y David Thewlis

The Artist: ¡No hay palabras!

Imagen: Wikipedia

Además de ser un reconocido actor del cine mudo en los años 20, George Valentin es arrogante y exitoso. Hasta que aparece el cine sonoro y con él la transformación de la industria en Hollywood, ante lo cual el artista debe decidir entre adaptarse al cambio o ser fiel a un estilo en decadencia. The Artist (2011) es una película independiente dirigida por Michel Hazanavicius y una de las favoritas para ganar el Oscar.

Michel Hazanavicius plasma a la perfección la etapa de transición entre un estilo de cine y el otro, además del fin de una era maravillosa. Nos hace también ser testigos de la caída de un ícono en el olvido por parte de una sociedad ingrata y los sufrimientos que padece: junto con la llegada del sonido viene también la decadencia para George Valentin. Por si fuera poco, su matrimonio va en declive y la mujer que empieza a gustarle es una estrella en ascenso, descubierta por él mismo, dentro de esta renovada industria cinematográfica a la que él se niega a pertenecer.

Lo más interesante de The Artist radica en pertenecer a un genero extinto dentro de la industria: El cine mudo, además de ser en blanco y negro. Esto supone, además de una novedad, curiosa contradicción al tratarse de algo novedoso sin novedad alguna. Y es que la película marca el regreso del cine mudo a una época a la que ya no tendría motivos paras volver, marcando acaso el inicio de una tendencia en la que, con la necesidad de renovarse, el cine nos ha de traer de regreso viejos formatos como el blanco y negro y el uso de películas sin efectos especiales.

A través de la historia de su protagonista, The Artist también explora temas como la lucha por los principios y la resistencia al cambio, algo con lo cual, quienes vivimos enamorados del pasado, nos podemos identificar plenamente y a quienes aceptar el concepto de “dejar ir” y “seguir adelante” nos resulta difícil. A partir de esto podemos realizar comparaciones entre la realidad de la película y la actual, empleando como ejemplos el exagerado uso de efectos especiales o el a veces innecesario uso de la tecnología 3D, convirtiéndose The Artist en casi de una invitación hacia el pasado para volver a hacer las cosas con los mismo recursos artísticos de antes.

Las actuaciones en The Artist son formidables por decir lo menos; Jean Dujardin y Bérénice Bejo se lucen sin decir palabra alguna. Hacen uso de sus expresiones faciales y movimiento corporal a la perfección y nos transportan al pasado de manera convincente. No se puede hablar de las actuaciones sin mencionar a Uggie, el adorable perro actor que se roba todas las escenas y que movió a las redes sociales para que le concedan un Oscar honorario por su participación.

The Artist, además de ser un maravilloso homenaje al cine mudo de los años 20, es una película con una inteligencia reflejada en el cada una de sus escenas, como la que nos muestra a George Valentin hundiéndose en arenas movedizas y que termina siendo una analogía perfecta de su situación real. La película nos enseña que no existe técnica obsoleta, que el cine mudo aun puede maravillarnos y que no todas las maravillas modernas y los nuevos recursos cinematográficos son necesariamente mejores.

Trailer: The Artist

Ficha Técnica
The Artist (2011)

Año: 2011

Duración: 100 min
Género: Drama / Comedia

Director: Michel Hazanavicius
Guión: Michel Hazanavicius

Actuan: Jean Dujardin, Bérénice Bejo y John Goodman

Hugo: La invención de Martin Scorsese

Imagen: IMDB

Ambientada en Paris de los años 30, Hugo (La Invención de Hugo Cabret, 2011) nos lleva a redescubrir la magia del cine a través de un viaje fantástico y la búsqueda de un niño para cumplir su misión: Terminar de armar un muñeco mecánico que su padre no pudo terminar de reparar. La más reciente película de Martin Scorsese está basada en un libro fantástico y cuenta con 11 nominaciones a los premios Oscar, entre ellas las categorías a mejor película y mejor director.

Hugo es una película como ninguna otra. La combinación de su estilo narrativo, el argumento y la técnica de filmación hacen que nos encontremos ante una obra de arte que nos hace sentir más como en un sueño que dentro de una sala de cine. La magia comienza desde el primer minuto, cuando conocemos a los personajes principales por medio de una introducción a manera de corto y donde somos llevados a la estación de tren parisina de los años 30 donde vive Hugo Cabret, un niño huérfano buscando las piezas necesarias para terminar de construir un autómata que podría contener un mensaje de su padre. 

Pero la develación de un misterio conlleva a otro y luego a otro y estos pequeños giros mantienen el interés hasta el final. En el transcurso nos encontramos con personajes brillantemente elaborados, desde el inspector de la estación hasta el mismísimo Georges Méliès, pionero del séptimo arte y a quien Hugo debe enfrentarse para completar su misión. Y gracias a este encuentro volvemos a los inicios mágicos del cine y a la belleza de la técnica empleada en ese entonces para crear la magia que Hugo nos muestra hoy.

Las actuaciones tal vez no sean el fuerte de Hugo pero no por eso dejan de ser buenas. La presencia de Ben Kinglsey como Georges Méliès es grata e impregna a su personaje de ese aire rígido y autoritario del que luego sabe desprenderse muy bien. Asa Butterfield le da al protagonista la ternura necesaria y también el dramatismo adecuado en los momentos en que explota en frustración. Se nota una evolución interesante en él desde que se le vio en El niño con el pijama a rayas (The boy with the striped pajamas, 2008) pero en las escenas que comparte con Chloe Moretz, es más bien ella quien destaca como la ahijada de Georges Méliès, su única aliada en la aventura. Sacha Baron Cohen se luce bien como el inspector de la estación, un papel necesario para aliviar las tensiones y colocar pausas de humor.

Con Hugo, Martin Scorsese rinde un homenaje, casi una alabanza maravillosa a la simpleza y detalle de los efectos de antes. Nos lleva tan atrás en el tiempo que revivimos y somos testigos del proceso creativo de Viaje a la Luna (Le voyage dans la Lune, 1902) y nos hace valorar y amar los inicios del cine. Y si bien la película ha sido realizada en formato 3D, no son los efectos los que la hacen grande. Hugo reúne los mejores elementos de otras películas nominadas al Oscar: La incesable búsqueda de un elemento particular como forma de redención (Extremely Loud and Incredibly Close), la mágica ambientación parisina y el encuentro con memorables personajes históricos (Midnight in Paris) y el retorno a los inicios de una era maravillosa, casi como acto de gratitud y un rescate del olvido de los inicios del cine (The Artist). Hace poco leí que todo estudiante de Cine o Comunicaciones debería ver Hugo, yo creo que TODOS deberían verla; además de ser un maravilloso sueño ininterrumpido, es una película que nos recuerda el porqué amamos ir al cine.

 Trailer: Hugo

Ficha Técnica
La Invención de Hugo
Hugo (Título original)

Año: 2011

Duración:126 min

Género: Drama / Aventura

Director: Martin Scorsese
Guión: John Logan (Adaptación), Brian Selznick ( Autor )

Actuan: Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz y Ben Kinglsey 

Moneyball: El arte de sobreponerse a la derrota

Imagen: IMDB

Los Atheletics de Oakland es un equipo de baseball de pocos recursos que logró ganar 20 juegos consecutivos y batir el máximo record del campeonato en los Estados Unidos. La historia de Moneyball (2011) no sería especial de no ser porque el equipo estaba conformado por los jugadores menos valorados del torneo local y porque la táctica empleada por Billy Beane, el director del equipo, consistía en basarse en las estadísticas y no en la destreza de sus jugadores para armar el equipo.

" I hate losing more than I love winning" - Billy Beane

Es un poco difícil catalogar a una película como Moneyball. Bajo cualquier punto de vista se puede considerar una película de deportes, exactamente sobre baseball; pero a la vez no lo es. En Moneyball no se ve el home run de la victoria, tampoco la pelota perdiendose en lo alto del cielo en cámara lenta ni la música de la victoria que se enlaza con la de los créditos. Tampoco hay que saber de baseball para comprender la película, y aunque durante los diálogos se emplean los tecnicismos y cierto argot del deporte, saber de ellos no es vital para entenderlos.

Basada en hecho reales, Moneyball trata más sobre la perseverancia, sobre la defensa de nuestro punto de vista y la fe en uno mismo. Además, Gracias a la actitud del Billy Beane, director general del equipo (quien por cabala no ve los partidos de su propio equipo) lo que sucede en la cancha queda de lado y la trama se desarrolla fuera de ella. Esto permite conocer más del mundo que gira alrededor de un equipo deportivo y no centrarnos en la biografía del heroe que gana los trofeos.

Una de las cosas que la película logra es involucrar al espectador y transmitir emociones, a tal punto que sufrimos las con la derrotas de los Atheletics y disfrutamos de su victoria como nuestra. Brad Pitt es fundamental para lograr este propósito, metiéndose en su papel de manera convincente. La escena donde llama la atención a sus jugadores por su mediocre actitud ante una nueva derrota es como para ponerla frente a los seleccionados locales antes de que vayan a festejar con alguna vedette lo poco que han ganado en sus mediocres vidas deportivas. Por otro lado, el actor suena y se ve ciertamente convincente cuando cambia de actitud y se convierte en un líder motivador.

Es cierto que la actuación de Brad Pitt es formidable; casi hace que uno olvide que es un tipo tan insoportablemente atractivo y pueda ser perdonado por eso; muestra un lado mucho más humano y real que el usual “señor perfección”, casi como un Jerry Maguire sin poses ni disfuerzos. Y es ahí donde Brad Pitt hace la diferencia y muestra su talento. Ciertamente que ya debería tocarle un Oscar, aunque a juzgar por la competencia de este año, considero que otros lo merecen más que él por el momento, su propia actuación en The Tree of Life es infinitamente superior a ésta. Lamentablemente no podemos ver mucho de Philip Seymour Hoffman ni de Robin Wright, cuyos papeles son pequeños y pasan desaparcibidos. Pero si hablamos de actuaciones, quien si tiene la nominación merecida es Jonah Hill como Peter Brand, el incondicional asistente y cerebro de la operación "Moneyball".

Aunque considere la nominación al Oscar de Moneyball un poco exagerada, se trata de una película de profunda ligereza y extraño atractivo que que al terminar nos deja con ganas de algo más. Y esa es característica de una buena película.

Trailer: Moneyball

Ficha Técnica
Moneyball

Año: 2011

Duración:133 min

Género: Drama biográfico

Director: Bennett Miller
Guión: Steven Zaillian (Adaptación), Aaron Sorkin( Adaptación )

Actuan: Brad Pitt, Robin Wright y Jonah Hill

Extremely Loud and Incredibly Close: No es otra película sobre el 11-9

Imagen: IMDB

A partir del descubrimiento de una misteriosa llave; un niño emprende la búsqueda de la única cerradura que pueda abrir, considerando esta aventura como la última misión dada por su padre antes de fallecer en los atentados del 11 de septiembre. Este es el argumento principal de Extremely Loud and Incredibly Close (Tan Fuerte y Tan cerca, 2011), una película dramática basada en una novela ficticia con elementos de aventura al estilo “búsqueda del tesoro”.

La búsqueda incesable de Oskar Schell a través de la ciudad de New York se convierte en el acontecimiento principal de Extremely Loud and Incredibly Close; sin embargo, la película explora otros temas mucho más profundos como el duelo, el distanciamiento de los seres queridos e incluso nos muestra una perspectiva del 11-9 nunca antes vista en otros films: la de un niño. Una novedad en el cine. El título (como sacado de la cabeza de un niño) hace alusión al atentado al World Trade Center y le viene bastante bien: extremadamente fuerte e increíblemente cerca fue el paso de los aviones antes de chocar contra su cometido y extinguir en pocos minutos miles de vidas.

Nuevamente nos encontramos antes actuaciones excepcionales, en este caso la de Thomas Horn en el papel de Oskar Schell un niño con problemas para sociabilizar pero que posee una inteligencia extraordinaria. Es bastante grata la presencia de Viola Davis quien representa un papel mucho menos intenso al que interpretó en The Help pero que suele maravillar con cada actuación suya por muy corta que sea. Max von Sydow se luce como el misterioso inquilino, papel que le ha valido una nominación al Oscar como actor de reparto, y aporta, además, una presencia tranquilizadora y de confianza dentro de un mundo donde todo parece derrumbarse como lo hicieron las Torres Gemelas.

Mención aparte se merece Tom Hanks en el papel más tierno de su carrera y quien cumple modestamente y sin robarse el show, como para no poder decir que se trata de otra película suya. Y así como no hablamos de una película más de Tom Hanks, tampoco hablamos sobre una más del 11-9. De hecho, el atentado sirve como telón de fondo pero no vemos al heroico Departamento de Policía de Nueva York desgarrado ante la tragedia, no aparece el martirizado escuadrón de bomberos cubierto de polvo ni las flameantes banderas americanas, símbolo máximo del patriotismo gringo.

Los elementos dramáticos que destacan son más bien otros y ayudan a contar la historia anudándonos la garganta por momentos. Cada mensaje desesperado dejado en el contestador por Thomas Schell nos pone la piel de gallina y cada expresión de pena de Sandra Bullock nos hace mordernos los labios de la impotencia. Además, el dolor humano ante la pérdida es expresado brillantemente por Thomas Horn cuya rabia y frustración sorprenden y parecen apoderarse de él con un realismo estremecedor. La rabia con que narra algunas de sus frustraciones, acompañadas de una sucesión de imágenes que producen un mareo casi placentero, es formidable a tal punto que el enojo y la deseperación los termina sintiendo el espectador.

Trailer: Extremely Loud and Incredibly Close

Ficha Técnica

Tan Fuerte y tan cerca
Extremely Loud & Incredibly Close (Título Original)

Año: 2011

Duración: 129 min.

Genero: Drama

Director: Stephen Daldry
Guión: Eric Roth (Adaptación), Jonathan Safran Foer(novela)

Actuan: Thomas Horn, Tom Hanks y Sandra Bullock

The Tree of Life: Los orígenes de la vida y el universo

Imagen: Wikipedia

Los orígenes del universo, el inicio de la vida, el descubrimiento del mundo, las causas de nuestra conducta y el desarrollo de la personalidad. The Tree of Life (El Árbol de la Vida, 2011) explora estos temas a través de una sucesión de imágenes donde destaca el maravilloso contraste de la naturaleza con los aspectos cotidianos de la vida.

La representación de los orígenes del universo y del inicio de la vida (a raíz de la propia muerte) hacen que el inicio de The Tree of Life sea confuso; sobretodo al no saber ante qué tipo de película estamos. No mucho despues, la aparición de Brad Pitt y Sean Penn quedan en el olvido y todo se vuelve tan surreal que uno se pregunta si lo que estamos viendo en pantalla es real. Y a pesar de cierta lentitud en la que cae por momentos; la belleza en imágenes y sonidos hace que uno no deje de sentirse atraído por la película.

De entre aquellos escenarios sin rastro de humanidad saltamos nuevamente a nuestra era. De pronto el argumento recupera fuerza y nos damos cuenta que estamos ante algo muy parecido a una pieza de música clásica. La representación del crecimiento del protagonista, un niño, junto con la sucesión de imágenes se vuelven espectaculares gracias a la hermosa fotografía y al acompañamiento musical que mejora cada vez más con el transcurso de la película.

Pronto nos sentimos identificados y recordamos la manera en que alguna vez descubrimos el mundo de a pocos. La sensación de nostalgia crece y los flashbacks nos llevan a nuestro propio pasado por medio de las vivencias de un niño. Repetimos la cotidianidad de nuestra infancia desde aspectos tan simples como un almuerzo en familia, beber agua de la manguera del jardín y la presión social que sentimos de niños al estar en grupo. La excelente representación de la perspectiva infantil nos lleva a repasar también aspectos mucho más complejos como los cuestionamientos religiosos o la decisiva imagen de nuestros padres (los polos opuestos) con respecto al desarrollo de nuestra conducta.

Las actuaciones son buenas y destacan Hunter McCracken como Jack, el niño en el que se centra la película y, una vez más, Jessica Chastain con una participación más interesante aun que su papel en The Help, por la que fue nominada al Oscar. The Tree of Life, escrita y dirigida por Terrence Malic, no solo explora los orígenes del universo sino los de uno mismo, con una profundidad que nos permite encontrar el sentido de todo al final de la película.

Trailer: The Tree of Life

Ficha Técnica
El árbol de la vida
The Tree of Life (Título Original)

Año: 2011

Duración:139 min
Género: Drama

Director: Terrence Malick
Guión: Terrence Malick

Actuan: Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain

The Help: Una realidad no tan distante

Eugenia Phelan es una aspirante a escritora que decide contar lo que nadie se atreve en medio de una sociedad donde la segregación racial se vive sin disimulo y reina la hipocresía. Ambientada a inicios de los años sesenta en la ciudad de Jackson, Mississippi; The Help (Historias Cruzadas) mezcla el drama con el humor para criticar a una sociedad intolerante bajo cuyos códigos seguimos viviendo hoy en día en algunos lugares.

Aibileen Clark y Minny Jackson son dos mujeres negras que cuentan las experiencias e injusticias vividas durante su vida como sirvientas en Jackson. Ambas son alentadas por Eugenia “Skeeter” Phelan, cuyos valores morales y su motivación por escribir un libro para exponer las injusticias cometidas en su ciudad natal, la llevan a enfrentarse a su círculo social y a su propia familia. Esto sucede durante una época en la que se seguía luchando por los derechos civiles de la gente de color en Estados Unidos.

A lo largo del film y por medio de los relatos, se reviven las desgracias de las protagonistas y se sonríe también con algunas de sus ocurrencias, y si bien esto da lugar a algunos facilismos y clichés para hacer reír (los disfuerzos de las blancas acomodadas o ciertas actitudes de Minny como la típica negra renegona), esto no resta meritos en absoluto a The Help. Aunque la historia es simple, las actuaciones de Octavia Spencer, Viola Davis y Jessica Chastain son impecables. Y por supuesto está Emma Stone, quien le otorga a su personaje una determinación necesaria con chispazos de adorable dulzura.

Y a través del proceso creativo del libro sobre la labor domestica que realizan las sirvientas del hogar (todas ellas mujeres de color), vamos siendo testigos de la estrecha mentalidad en algunas ciudades del sur de los Estados Unidos a mediados del siglo pasado e inevitablemente analizamos ciertos paralelos con nuestra realidad actual, no ajena en lo absoluto a pesar de los años que nos separan. Y es que, al igual que en la realidad de la película, es muy facil que en nuestra sociedad las empleadas permanecen en la familia y los niños que cuidaron de bebes pueden llegar a convertirse en los patrones.

En una época en la que justamente el cine se ha convertido en escenario de discriminación racial en nuestro país, el próximo estreno de esta película debería concientizar a una sociedad hipócrita que cree que ponerse un chullo en la cabeza y colgar la foto en redes sociales es ejemplo de igualdad. Sería bueno un preestreno gratuito al sur de Lima para patronas acompañadas de sus nanas (porque “nana” suena más bonito y tiene casi un efecto suavizante). Y es que si a inicios de los años sesenta en Mississippi, las empleadas debían usar un baño distinto, en otros lugares no pueden bañarse en las mismas playas.

Trailer: The Help

Ficha Técnica
Historias Cruzadas
The Help(Título Original)

Año: 2011

Duración:146 min
Género: Drama
Director: Tate Taylor
Guión: Tate Tylor (adaptación), Kathryn Stockett (novela)

Actuan: Emma Stone, Viola Davis y Octavia Spencer

Medianoche en París: Buscando la inspiración en el pasado

Imagen: www.imdb.com

La última película de Woody Allen nos transporta a París y nos sumerge y enamora un poco de ella. Pero como un viaje fantástico que resulta demasiado corto, nos deja con la sensación de querer algo más, como si algo hubiera quedado inconcluso.

"Nostalgia is denial, denial of the painful present. The name for this denial is golden age thinking: the erroneous notion that a different time period is better than the one one's living in" - Paul Bates

Medianoche en Paris, que se ha convertido en la película más taquillera de Woody Allen, cuenta con un argumento original e inteligente. La película empieza bien y mantiene el ritmo adecuadamente; todo sucede rápido pero no marea; todo lo contrario. Nunca conocemos los antecedentes de la pareja ni mucho de los detalles del viaje que los lleva a la ciudad de la luz. Los paisajes parisinos sirven como elemento relajador y sutil en medio del conflicto del protagonista y, sin abusar de los cliches de la Torre Eiffel o la bohemia nocturna, hace que quienes no conozcamos París queramos correr a ella y siembra un sentimiento de nostalgia en quienes ya la han visitado.

No resulta adecuado decir Owen Wilson le da vida a Gil Pender, el protagonista. Parece más bien Woody Allen quien se mete dentro del actor (muy bueno en su papel de todas formas) como un titiritero para dar vida al personaje. Las semejanzas entre el primero y el último parecen tan evidentes que Gil Pender nos recuerda a algún otro personaje neurótico encarnado antes por Woody Allen. El resto del reparto, como suele suceder en las películas de Woody Allen, cumple a la perfección, destacan sobretodo Marion Cotillard y Kathy Bates en sus respectivos personajes reales dentro de un mundo imaginario creado por el protagonista.

Pero algo sucede con Medianoche en Paris. Casi como cuando uno queda con hambre tras una comida deliciosa, de pronto termina y nos deja con ganas de mas, de mucho mas. A pesar de esto se trata, a mi parecer, de la mejor película de Woody Allen en mucho tiempo, considerando que la última que realmente me gustó fue Match Point, pues ni la mismísima Vicky Cristina Barcelona , con su absurdo afan de querer convertir a un genial actor como Bardem en un galan deseado, me logró impresionar. Medianoche en Paris nos trae a la mente el idealismo perdido en muchos y dificil de rescatar en otros y nos recuerda además que todos tenemos una epoca preferida, una era a la que hubieramos deseado pertenecer por sentirnos enajenados de nuestro presente.

 Trailer: Medianoche en Paris

Ficha Técnica Medianoche en París
Midnight in Paris (Título Original)


Año: 2011
Género:Comedia
Duración: 94 min

Director: Woody Allen
Guión:  Woody Allen

Actores: Owen Wilson, Rachel McAdams, Kathy Bates y Marion Cotillard

Star Wars 3D: The Phantom Menace

Imagen: www.imdb.com

El Episodio 1: La Amenaza Fantasma, llega en formato 3D. El estreno de la película marca el inicio de la saga y obra cumbre de George Lucas.

Han pasado 34 años desde que Star Wars llegó al cine por primera vez y y 13 años desde el estreno de Episodio Uno: La Amenaza fantasma. La saga ha pasado desde entonces por innumerables reestrenos, reediciones, retoques digitales, etc. Y si hay algo que nunca ha variado es la devoción de sus fieles seguidores a lo largo de las decadas.

La Amenaza Fantasma marca el inicio de la historia de Anakin Skywalker (quien mas adelante se convertirá en Darth Vader) cuando aun era un niño y su primer encuentro con Obi-Wan Kenobi, su futuro maestro. La historia transcurre en una epoca en la que la Republica no se habia convertido aun en el Imperio Galactico y los Caballeros Jedis eran aun los protectores del orden en la galaxia.

Pero la historia de Star Wars ya todos la conocen, todos quienes sepan de cine al menos. La novedad aquí radica en el uso de la tecnología 3D, razón del reestreno de la película y de este post. Es un poco difícil para un amante de la saga hablar de Episodio I sin mencionar que se trata del episodio de menor calidad, por no decir una mala película. Lamentablemente el uso del 3D hace poco o nada por solucionar este problema; la gracia de esta tecnoloía pasa al olvido a los 5 minutos de empezada la pelicula y nuevamente estamos ante la historia infantil que hizo de Episodio I el peor de todas las películas de Star Wars. El problema tal vez radique en que existe una enorme diferencia entre una película pensada y realizada en formato 3D y una que ha sido "transformada" para su reestreno. Es quizas por ello que ver Avatar o Hugo resulten una experiencia fascinante y Star Wars (y posiblemente el proximo estreno de Titanic 3D) sea mas de lo mismo, o peor aún una tortura a gran escala por tener que soportar a Jar Jar en 3D. A pesar de todo, no deja de ser una película que entretiene, vital para todo fanático y con una calidad nunca antes vista.

Las ventajas del 3D según los realizadores
Para esta nueva versión la cinta pasó por un proceso de conversión cuadro por cuadro, de una película en 2D a un formato en 3D. “Es como la diferencia entre ver una película en blanco y negro y ver una película en color” comento John Knoll, el supervisor de efectos especiales de LucasFilm, quien añadió: “La profundidad del 3D le proporciona mucha realidad a los personajes digitales”. Por su parte George Lucas dice: “Fue diseñada para colocarte en el ambiente y rodearte con el sonido y con las imágenes. Es insuperable. Estoy feliz de que podamos traerle esta nueva experiencia a la siguiente generación. Ésta será la tercera generación que tenga la oportunidad de verla en la pantalla grande y cuando eres joven, es un suceso poderoso y sobrecogedor”.

Trailer: La Amenaza Fantasma

Ficha Técnica

Star Wars: Episodio I - La Amenaza Fantasma (1999)
Star Wars: Episode I - The Phantom Menace (Titulo original)

Año: 2012
Fecha de estreno Original: 16 de Julio 1999 (Perú)

Duración: 136 min
Genero: Acción / Aventura

Director: George Lucas
Guión: George Lucas

Actuan: Ewan McGregor, Liam Neeson y Natalie Portman